В барнаульском музее проходит выставка художников-юбиляров

Выставка «Искусство вне времени» в Художественном музее Алтайского края представляет произведения выдающихся русских и советских живописцев, чьи юбилейные даты отмечают в 2026 году.

В экспозицию вошли работы Игоря Грабаря (155 лет со дня рождения), Петра Кончалов­ского (150) и его сына Михаила (120), Дмитрия Налбандяна (120) и других авторов. Кроме живописи, представлен десертный сервиз «Детский» из стекла с росписью, принадлежащий Ирине Невской – родившейся в 1926 году художнице Дятьковского и Гусевского хрустальных заводов.

Кураторы выставки Светлана Артюхова и Наталья Гончарова говорят, что это первая часть проекта, рассчитанного на весь год, а художников объединяет не только совпадение круглых дат, но и принадлежность к московской школе. А затем здесь обещают показать эстетскую графику уже ленинградской школы. И обращают внимание на новые рамы, в которые оформлены полотна для постоянной экспозиции в будущем здании музея: пока окончание многострадальной стройки откладывается, сотрудники не сидят сложа руки и готовятся.

Ключевая фигура

Выставку открывает работа Игоря Грабаря «Портрет итальянского искусствоведа Этторе Ло Гатто» 1931 года. Специалисты отмечают, что это как диалог двух выдающихся личностей, объединенных общей страстью к искусству:

– Этторе Ло Гатто был известным славистом и переводчиком, который много сделал, чтобы познакомить итальянцев с русской культурой, – рассказывает старший научный сотрудник сектора выставок ГХМАК Наталья Гончарова. – Работа такого сдержанного колорита. Кстати, наш портрет вошел во все основные российские издания, посвященные творчеству Грабаря. И если большинство произведений на этой выставке в свое время поступило в наши фонды по линии Министерства культуры СССР, то это мы приобрели у семьи художника.

Игорь Грабарь – ключевая фигура художественной жизни Советской России: живописец, один из основоположников соцреализма, а еще историк искусства, реставратор и инициатор создания Центральных реставрационных мастерских в Москве, которыми и руководил с 1918 по 1930 год (сейчас это Всероссийский художественный научно-реставрационный центр, который носит имя Грабаря и является ведущим учреждением своего профиля в стране). Вообще-то прославился художник еще до революции, принадлежал кругу «Мира искусства» и тогда тяготел к импрессионизму. С 1913 года стал попечителем Третьяковской галереи, где произвел масштабные изменения: заложил основы настоящей музейной развески и экспозиции по хронологическому принципу, привел в порядок учетную документацию.

В витрине рядом с портретом итальянского слависта музейщики положили альбом с репродукцией другого произведения Игоря Грабаря – пейзажа «Февральская лазурь», знакомого старшему поколению по школьным учебникам «Родной речи». Просто чтобы был повод на экскурсиях рассказывать об истории его создания:

– Однажды художник прогуливался по лесу, наклонился за тростью, посмотрел снизу на небо и загорелся написать его вот так, через ветви деревьев. Как это сделать? Он вырыл траншею глубиной метр и писал в ней натурные этюды, чтобы был нужный ракурс! – говорит Гончарова.

В минуту откровенности

– Наши старшие коллеги так подбирали коллекцию музея, что сегодня мы можем рассказывать обо всех видах и жанрах на примере высококлассного искусства, настоящего, на века, – замечает завсектором выставок Светлана Артюхова. – Авторы, чьи работы вошли в экспозицию, буквально сформировали культурный код России, о котором сегодня столько говорят.

Речь тут и о Петре Кончаловском – сотрудники ГХМАК для юбилейной выставки выбрали его излучающий радость пейзаж «Вётлы», который редко показывают.

– До революции художник увлекался всеми достижениями русского и европейского искусства начала ХХ века, в том числе кубизмом и творчеством Сезанна. И наши искусствоведы отмечают, что, несмотря на свою пленэрность, этот подмосковный пейзаж 1947 года все равно такой «французистый», – говорит Наталья Гончарова. – То, во что ты влюблен, не вытравить, и эта импрессионистическая манера будет присутствовать в его творчестве до конца жизни.

А «первой кисти Политбюро», народному художнику и автору портретов Сталина Дмитрию Налбандяну на выставке принадлежит восхитительный натюрморт «После дождя» (1979).

– У него здесь такие чистые «промытые» краски, что вы сразу чувствуете это состояние: влажные блики, свежий ветер, – говорит Наталья Гончарова. – Для выставок все эти советские класси­ки писали большие жанровые картины в традициях соцреализма. Но в периоды уединения и тихой творческой откровенности у себя в мастерской создавали удивительно трепетные лирические работы, созвучные их душе, могли немного похулиганить, поэкспериментировать и проявить себя, например, как импрессионисты.

Кроме натюрморта, музейщики показывают этюд Налбандяна «На рейде. Неаполь» 1956 года с эффектом присутствия в картине: «Вы как будто стоите на палубе. Несмотря на холодноватую гамму, ощущается теплый воздух Италии, и даже немного укачивает, – замечает Гончарова. – Вроде бы простой натурный пейзаж без изысков, но мы чувствуем некое движение за счет мягких волн, перечеркнутых жесткими вертикалями снастей».

Одна из самых поздних работ на выставке – расписанный милыми петушками, совами и козликами стеклянный сервиз Ирины Невской. Рассказывают, что на вопрос анкеты о мечте художница ответила: «Я хочу украшать интерьеры советских людей». Сервиз выполнен в модном в 1960-е годы стиле минимализма. «Понятно, что это функциональная вещь, но мы вполне можем представить себе, как сервиз стоит в серванте и ждет особого случая», – говорят кураторы.